アートとSalut

 70回目のアート通信は現在、神奈川県の箱根にある「ポーラ美術館」で開催されている「ロニ・ホーン：水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる？」からです。 会場入り口風景 ロニ・ホーンは、1955年生まれの現代美術家で、1975年から今日まで、 手付かずの 自然が多く残るアイスランドを隈無く旅し、そこから得た感覚、自然への畏怖の念などを作品化する作家として知られています。 日本の美術館での個展は初めてですが、 「ポーラ美術館」は国立公園に埋もれるように静かに存在する美術館なので、大きな 自然そのものをテーマにする彼女の作品を鑑賞するには最適な場と言えそうです。 「無題（『必要な情報は全て天気予報から入れる』）」（2018-2020）展示風景 「無題（『必要な情報は全て天気予報から入れる』）」（2018-2020）から 初めの展示室で目に飛び込んでくるのはこちらの風景。表面に水を湛えたプラスチックプールかと思いきや、全てガラスで出来ています。彼女が開発した新技術で作られているのです。 屋外の木々や空が写り込み、表面に満々と水をたたえているように見えますが、ガラスです。 『水』は彼女が最も大切にしているテーマで、彼女は、 “私が水に寄り添ったのではなく、水が私に歩み寄ってきた” “水は純粋であり、暴力的であり、官能的でもあり、常に何かしらに接し繋がっている。そしてその動きそのものである” と言っています。 「静かな水（テムズ川、例として）」（1999年）展示風景 そんな水をテーマしたもう一つの作品がこちら。「静かな水（テムズ川、例として）」（1999年)。テムズ川の表面を定点観測のように撮影した15点からなる写真シリーズ。 隣接の部屋では映像作品「水と言う」（2021）から、水には私達の予想をはるかに超えた物語がある事を知らされます。 この後、会場は地下2階へ移動。 地下2階では、水をテーマにしたコレクション展「水の風景」が同時開催されています（同一チケット）。 「水の風景」展、入り口付近 「水の風景」展示風景 「水の風景」展には、クロード・モネ(1840-1926) やエミール・ガレ(1846-1904) といった著名な作家の作品が多く含まれており、『水』という切り口で、ロニ・ホーン氏の作品を観た後に鑑賞すると、今までとは違った観え方がしてくるのが興味深...

 68回目のアート通信は、アート通信ー67で触れた生口島の「平山郁夫美術館」からです。 「平山郁夫美術館」の門 平山郁夫氏（1930-2009）はご存知の通り、戦後の日本を代表する日本画家ですね。私は、彼の作品に一貫して流れているのは〈祈りの心〉ではないかと思っています。 氏は15歳の時、学徒勤労動員先の広島で被爆し、その後遺症に苦しんでいました。その経験から、平和な世界を願い、仏教をテーマとした多くの作品を生み出しました。また、ヨーロッパ・中東訪問からは、東西の交易路であるシルクロードに注目し、それをモチーフにした連作を発表しました。シルクロードは仏教伝来の道でもありますね。 「仏教伝来」（1959）の原寸大陶版 氏の平和な世界を願う気持ちは、ユネスコ親善大使として世界の遺跡や文化財保護への尽力にも繋がっていきます。 また、東京芸術大学の教授、学長などを歴任し、後進の指導にも当たりました。 そんな偉大な美術家の幼少期の作品をも紹介しているのがこの美術館の特徴で、とても興味深いところです。実は、広島県・尾道市、生口島は平山氏の生まれ故郷なのです。 平山郁夫「なわとび」（1936） 例えば、こちらは氏が5歳の時の作品。‘ひら’と縄の音を書き加えているところは微笑ましいですが、縄が緩くたるみ、ゆったり動いている様子まで描ききれているところはさすがです！そしてカタカナで、‘ヒラヤマイクヲ’とサインも（！） 平山郁夫「やかん」（1941) こちらは、11歳の時の作品「やかん」。やかんだけ描いているのも渋いですし、このまま世に出せる程の出来栄えです。 幼年期の展示、より このように氏にはもともと絵心があった様ですが、それに磨きをかけたのは、お母様の教育方針でした。 息子は描く事が好きで上手、と知ると、彼女は絵日記帳を作り、長期休みには毎日遊びに行く前に必ず描く様に伝えます。彼女の「よし」が出ないと遊びにいけないので、いい加減には描けません。それが集中して描く習慣と、画力の基礎を作った、と氏は語っています。 幼年期の展示、より 館内の展示は、幼少期の作品だけではもちろんありません。仏教・シルクロードをテーマにした代表的作品の数々も展示されています。 展示室の様子 ハイビジョン室では、テーマ別に製作された分かりやすい作品解説が時間ごとに上映されているので、こちらもお忘れな...

 62回目のアート通信は、 6月1日（火）より東京都現代美術館にて再開 する「 マーク・マンダースーマーク・マンダースの不在 」展のご案内です。 22日まで会期を延長して再開 ややこしいタイトルですが、要は マーク・マンダース (1968-)という美術家の日本初の個展です。 《未焼成の土の頭部》（2011ー14） マーク・マンダースは、オランダ出身で現在はベルギーを拠点として活動しています。18歳から〈建物としての自画像〉というユニークな構想で作品を作り続けていますが、〈建物としての自画像〉とは、彼が名付けた架空の芸術家"マーク・マンダース"の自画像を"建物"という枠組みで表現していく、というプロジェクトです。 《マインド・スタディ》（2010−11）の向こうにビニールで仕切られた空間が広がる 会場には、アトリエを再現したような空間もあります。ビニールで仕切られた空間に入っていきますが、ルートは１つではないので気をつけて！ 《４つの黄色い縦のコンポジション》(2017-2019) そして制作途中？と思うような作品にも遭遇します。素材にも注目ですよ！ 《リビングルームの光景》(2008-2016) 観ていくと、そこに居たであろう"人"の気配を感じたり、マンダース本人と、架空の作家マンダースが混交したり、時間軸が分からなくなり、時が止まっているように感じたりします。 《３羽の死んだ鳥と墜落する辞書のある小さな部屋》(2020) メイン会場は3階ですが、２階にも作品があります。大きな部屋の作品は1点のみ。これだけ？と思うかもしれませんが、覗いたただけで通り過ぎないで。入って初めて分かる仕掛けがあります！ 《２つの動かない頭部》(2015-2016) メインエントランス脇の屋外にも作品があるので見逃さないように！ オンラインで質問に答える マーク・マンダース 今回のようなプロジェクトでは、作家自身が来日し構成を細かに決めていくべきなのですが、このコロナ禍で来日できず、リモートで設置場所などを指示したそうです。 最後に、やはりリモートで残していった彼の言葉を紹介します。 「本当に作りたいと願うものは、動かず完全に沈黙して、張り詰めたまま時を横断する、そうしたもの。」 作品鑑賞の参考になれば。 この1年半、新型コロナウ...